Cet ouvrage se propose d'étudier comment reproduire un orchestre virtuellement avec les banques de sons telles que East West Symphonic Orchestra, VSL ... Il ne s'agit donc pas d'un livre théorique sur l'orchestration mais plutôt d'un ouvrage centré sur le côté technique (séquenceurs, contrôleurs...).

Dans l'ensemble, l'auteur rentre directement dans le sujet, il y a très peu de superflu et le tout est assez condensé. Le livre est organisé autour de 4 chapitres principaux correspondant aux sections de l'orchestre : cordes, bois, cuivres et percussions/rythmique (guitare, piano...). Chacun de ces chapitres est lui-même organisé de la même manière : caractéristique générale de la section, instruments spécifiques, extraits de partitions, utiliser la section dans un séquenceur, mixer la section.

Un premier chapitre introductif définit les grandes notions de bases utilisées : principes d'orchestration d'une part et le fonctionnement de la norme MIDI d'une autre. Il en profite d'ailleurs pour définir très précisément les contrôleurs MIDI (CC#7, CC#11...). Peu de livres l'ont fait de manière aussi exhaustive.

Dans chacun des chapitres consacrés aux différentes sections de l'orchestre, il donne dans un premier temps des notions d'instrumentation plutôt succinctes. Il s'agit surtout de définir le rôle de l'instrument, son rang, ses caractéristiques, ses articulations. L'auteur donne différents extraits de partitions pour illustrer diverses utilisations de l'orchestre (rythmique, harmonique, mélodique...). L'ensemble est bref mais donne toutefois les concepts de base indispensables.

On entre plus directement dans le sujet avec les sous-chapitres suivants concernant plus particulièrement le côté technique de l'"orchestration virtuelle". Il donne les principales banques de sons avec leurs points forts et faibles. Il détaille les différentes façons d'enregistrer les instruments sur son ordinateur (clavier midi, adaptateur midi pour guitare...) et surtout comment donner vie aux instruments (simuler la respiration pour les vents avec un petit appareil nommé "breath controller"...). Les contrôleurs MIDI sont abondamment décrits pour parfaire le réalisme d'une ligne (expression, volume...).

Il énumère pour chaque section les points importants permettant de rendre un instrument plus réaliste (souffle pour les vents, l'attaque pour les cuivres et les cordes...) et comment les implémenter dans le séquenceur. Il suggère aussi par exemple de désaccorder légèrement certains instruments pour donner un côté plus humain, de quantifier peu ou pas les parties lentes et plus fortement les parties rythmiques.

Il finit par donner des indications sur le mixage des sections. Il indique naturellement de respecter la panoramique des instruments mais fournit aussi différentes variantes pour donner plus d'espace et de profondeur à l'ensemble. Concernant la réverbération, il donne les paramètres principaux pour simuler au mieux un environnement réaliste (durée de la réverb, espace...).

Dans l'ensemble, ce livre est plein de bons conseils. L'auteur énumère beaucoup d'astuces, de règles à suivre pour simuler de manière encore plus réaliste un orchestre avec des banques de sons. C'est un des seuls livres que j'ai lu qui détaille aussi précisément les contrôleurs MIDI et leur utilisation. Les extraits de partition sont très pertinents mais malheureusement pas assez nombreux. Un DVD fournit des extraits sonores très intéressants pour juger de la différence entre une section sans réverbération et avec, l'utilisation ou non du contrôleur d'expression... Contrairement à d'autres livres sur le sujet tel que The Guide To Midi Orchestration de Paul Gilreath, celui-ci est aussi complet voire même plus malgré son nombre de pages bien inférieur.

Cet ouvrage qui date à présent de 1988 ne perd pas son intérêt au vue de sa date de publication puisqu'il aborde des notions théoriques sur la musique, le solfège et l'arrangement. Le tout n'étant que peu décrit sous un côté technologique (séquenceurs, midi...). Malgré le titre qui semble destiner le livre aux claviéristes, sa portée est bien plus générale. Il s'adresse en fait de manière plus large à tous ceux qui composent, qui arrangent un morceau... Il est vrai qu'il donne quelques conseils spécifiques aux claviéristes mais il ne s'agit pas du fond du sujet.

L'ouvrage est axé autour de 5 grands thèmes principaux permettant de construire un morceau : la forme, la mélodie, le rythme, l'harmonie et les instruments. J'ai particulièrement apprécié la démarche de l'auteur. En effet, il classe, ordonne, trie ... ses idées pour nous proposer une méthodologie, un aide-mémoire. Il n'a pas pour but d'écrire tel un roman sur le sujet mais plutôt d'offrir au lecteur une manière de raisonner pour appréhender la composition d'un morceau. Il utilise à de nombreuses reprises des questions, des schémas, des énumérations... A noter qu'un CD accompagne l'ouvrage. Son utilité n'est pas essentielle mais peut permettre d'initier certains débutants à partir des exemples.

Le premier thème abordé est celui de la structure d'un morceau : comment construire une introduction, un développement, une conclusion... Il propose par exemple de composer l'introduction lorsque le morceau est terminé puisque celle-ci doit découler et annoncer naturellement le morceau en terme de mélodie, d'harmonie... Il s'agit plus de la structure d'un morceau style "variété, pop-rock". Certaines idées peuvent être toute de même employées dans d'autres formes musicales (orchestral...).

Le second chapitre, très intéressant, porte sur la construction d'une mélodie. Comment développer un thème ? Comment le répéter ? Comment embellir la mélodie avec des contrechants, des changements mineurs dans la tonalité... Il propose tout un ensemble d'outils au service du compositeur pour développer une mélodie, il indique différentes approches permettant de compléter, répéter un thème.

La section sur le rythme est moins dense et moins complète. Il fait un parallèle avec les outils permettant de construire des motifs rythmiques sur ordinateur. L'ensemble est moins pertinent puisqu'il se focalise principalement sur la batterie.

L'harmonie est le coeur de tout morceau, pas étonnant que ce chapitre soit assez conséquent. On peut le diviser en 2 thèmes : l'un sur la théorie autour de l'harmonie (harmoniques, intervalles, mouvements...) et l'autre sur les accords et leur utilisation. Il présente comment donner du rythme à l'harmonie avec les syncopes, à créer des tensions, à faire cohabiter mélodie et harmonie. L'auteur détaille comment écrire à plusieurs voix, comment harmoniser une mélodie...

Les chapitres suivants concernent à tour à tour les cordes, les cuivres, les bois, la voix et les instruments "modernes". Il commence généralement par une partie sur l'instrumentation (registre, couleur...) puis donne des conseils pratiques pour utiliser l'instrument au sein d'un morceau (mélodie, harmonie). Le dernier chapitre sur les instruments récents est très intéressante puisqu'il propose des utilisations d'instruments modernes tels que guitare, basse, clavier...

En bilan, ce livre apporte des informations très pertinentes sur l'écriture et la composition d'un morceau. Il ne s'agit pas d'un ouvrage théorique sur le sujet comme il existe beaucoup. Il se situe juste à cheval entre la théorie et la technique sur ordinateur. Les différentes méthodes, suggestions de l'auteur nous permettent de réfléchir et d'enrichir notre façon de composer. L'ensemble est plutôt condensé ce qui en fait un ouvrage qu'on peut garder sous la main comme aide-mémoire. Il n'est toutefois plus édité à l'heure actuelle. Seul le marché de l'occasion permettra de se le procurer.

Ce livre au petit format est très pratique pour conserver sous la main les caractéristiques de l'ensemble des instruments de l'orchestre. Il s'adresse à tous ceux qui désirent découvrir ou compléter leur connaissance de l'orchestre pour composer ou simplement par curiosité.

Malgré le titre qui indique "orchestration", il s'agit plutôt d'un aide-mémoire sur l'instrumentation. En effet, bien qu'il aborde comment intégrer un instrument au sein de l'orchestre, il mentionne peu voire pas les sections (cordes, vents...) dans leur globalité.

Chaque instrument est détaillé selon le plan type suivant :

• Son registre : écrit (niveau de jeu professionnel), pratique (niveau de jeu intermédiaire), transposé (si l'instrument est transpositeur)
• Qualités tonales et volume : selon la partie du registre, le timbre de l'instrument varie ainsi que son volume.
• Considérations techniques : description des articulations de l'instrument, de ses spécificités techniques (effets,...)
• Orchestration : rôle de l'instrument en solo ou en tant que section, la couleur qu'il apporte...

Ce livre est très intéressant car il donne de manière succincte toutes les informations nécessaires pour connaître ou se remémorer un instrument. Concrètement, telle note est-elle dans le registre dans l'instrument ? Est-ce que cette partie du registre est-la plus adaptée au passage à jouer ? Quelles sont les articulations disponibles ?

Pour quels euros, aucun livre n'est plus condensé et complet sur le sujet. Avec plus de 200 instruments, la mise en page aurait pu être organisée plus clairement mais l'index à la fin permet de trouver très facilement les informations souhaitées.

Cet ouvrage a été rédigé par Albert Lavignac en 1945. L'auteur fut professeur de solfège et d'harmonie au Conservatoire de Paris, on compte notamment Debussy comme un de ses élèves. La Musique et les Musiciens constitue son ouvrage principal, il a été encore longuement utilisé après sa mort.

Le style d'écriture est très précis et clair, on sent vraiment l'expérience de l'auteur. On peut noter la démarche pédagogique de Lavignac qui argumente chacun de ses propos avec des exemples. Il y a très peu de superflu, l'ouvrage est très dense au niveau du contenu, parfois bien plus riche que des livres plus récents.

Dans une première partie, il se propose de décrire les règles de base de l'acoustique (perception et production du son, harmoniques d'un son fondamental...). L'ensemble est très accessible et sert de socle pour comprendre les chapitres suivants.

La section suivante est un exposé d'instrumentation. L'ensemble des instruments de l'orchestre est passé en revue. L'auteur décrit le registre de l'instrument, son timbre, ses articulations et caractéristiques particulières. De nombreux exemples illustrent les mouvements impossibles, ceux qui sont plus sûrs... (trilles par exemple). Lavignac apporte sa touche personnelle dans les descriptions en donnant des anecdotes, son expérience personnelle. Il prend toujours soin de donner une bibliographie pour chaque instrument. Il finit le chapitre en abordant des notions d'orchestration. Comment les différentes sections apportent une couleur différente à l'orchestre ? Dommage toutefois que ce chapitre ne soit pas plus détaillé car il apporte des informations très intéressantes.

Les chapitres suivant se concentrent sur la grammaire musicale. Il ne s'agit pas d'une initiation au solfège mais plutôt d'un concentré d'harmonie. Description des intervalles, construction des accords, mouvements harmoniques et mélodiques, cadences... L'exposé est très riche sur le sujet. Il décrit l'ensemble des règles en harmonie : intervalles défendus, redoublements déconseillés... L'auteur suppose que le lecteur possède déjà des connaissances de base en solfège. En effet, Lavignac rentre directement dans le fond du sujet. Le chapitre sur la modulation est particulièrement intéressant. Il finit cette section du livre par l'étude du contrepoint et de la fugue

Le dernier tiers du livre aborde l'Histoire de la musique : formes musicales (sonate, opéra...) ainsi que les grandes étapes de l'art musical selon les peuples anciens et primitifs puis selon les grandes Ecoles.

En conclusion, cet ouvrage malgré sa date de rédaction du milieu de XXème n'a rien à envier aux livres plus récents. Il est bien plus complet, riche et mieux rédigé qu'une bonne partie des ouvrages sur le sujet. L'expérience et la pédagogie de Lavignac permet d'acquérir des bases solides en instrumentation et en harmonie. Il ne faut d'ailleurs pas hésiter à en faire plusieurs lectures pour compléter ses connaissances au fur et à mesure de son apprentissage. Cet ouvrage est difficile à obtenir, seul le marché de l'occasion ou des librairies de livres anciens permettront de l'acquérir.

Le mixage est une des phases de la production musicale la plus importante mais à la fois à la plus dure à maîtriser. En effet, qui n'a jamais tenté de composer un morceau et a été déçu en comparant le résultat avec son CD favori ? Son trop fade, aucune dynamique, aspect trop brouillon, pas assez de puissance... Le mixage est une science à part entière qui est bien souvent la clé d'un morceau réussi. Seulement le mixage recoupe un ensemble de concepts (acoustique, technique...) et d'outils (compression, égalisation...) que l'amateur a généralement du mal à utiliser correctement.

Sur le sujet, il existe différents types d'ouvrages : ceux qui énumèrent simplement des chiffres tels une règle générale (booster de 3db la basse à 15hz...) et ceux qui expliquent les notions de base justifiant les traitements lors du mixage (perception de l'espace sonore pour la panoramique...).

Ce livre s'inscrit précisément dans cette seconde catégorie. Il est clair qu'après de nombreuses lectures sur le sujet, cet ouvrage sort clairement du lot pour plusieurs raisons :

Tout d'abord, la démarche de l'auteur est très pédagogique : tout est clair, défini, simple d'accès. Le texte, simple à comprendre, est constamment agrémenté de schémas et illustrations. Les points importants sont mis en gras. La méthodologie est exposée clairement.

Un DVD est fourni avec le livre proposant plus de 2000 extraits sonores. Ils sont indispensables pour entendre ce que l'on considère comme un bon mixage, un son trop brillant... La plus grande difficulté du débutant, c'est d'avoir du mal à associer des sons aux notions apprises. Comment reconnaître un problème de phase si on ne l'a jamais entendu auparavant ?

Second point, il se propose en début du livre d'expliquer tous les concepts de base fondamentaux tels que la perception du volume, des plages de fréquences, la phase... Comprendre comment on perçoit les sons est essentiel pour justifier les traitements effectués en phase de mixage.

Il définit ensuite la philosophie du mixage en proposant plusieurs méthodologies : quels instruments mixer en premier ? quels traitements effectuer ? Il propose plusieurs alternatives et ne contente pas de donner des règles générales, ses choix sont justifiés. Il tente d'apporter des réponses à nos interrogations.

Une section du livre est dédiée à chaque phase du mixage : volume, panoramique, égalisation, compression, réverbération... Une description générale des outils est effectuée dans un premier temps puis il applique ceci dans des exemples très détaillés.

La dernière partie de l'ouvrage est extrêmement enrichissante et rare dans des livres sur le sujet. L'auteur a sélectionné quatre mixages qu'il a réalisé et pour lesquels il détaille toutes les étapes suivies (quels plugins ? quels valeurs de paramètres ?). Le DVD contient chaque version du mixage ainsi que les instruments avant et après chaque traitement.

Il est clair qu'il s'agit pour moi du meilleur ouvrage sur le mixage. Il faut noter qu'il n'est toutefois pas exempt de fautes d'orthographe et de grammaire. Une relecture aurait été profitable mais ceci ne gâche en rien la qualité du contenu.

Guitare sans égalisation :


Guitare avec égalisation (high pass filter [144Hz 12db/oct] et high shelving filter [9Khz -8db] ) :

Le titre du livre est prometteur : "the guide to midi orchestration". En effet il se propose d'aborder l'orchestration d'un côté technique en utilisant banques de sons orchestrales et séquenceurs MIDI dans le but de simuler un orchestre de la manière la plus réaliste possible. Le thème est intéressant puisque peu d'ouvrages arrivent à mettre en pratique les notions d'orchestration dans le monde virtuel. Est-ce que le défi de Paul Gilreath est atteint ? Selon l'éditeur, oui puisque ce livre a été vendu à plus de 25 000 exemplaires dans le monde et qu'il est utilisé dans les écoles et universités américaine. Il est même considéré comme la Bible de l'orchestration virtuelle par la communauté des musiciens ! A t-il répondu à mes prières ? Pas si sûr...

Les premiers chapitres se concentrent principalement sur la composition de l'orchestre : instruments, sections. Dit autrement, il s'agit de chapitres sur l'instrumentation. On retrouve toutes les notions traditionnelles sur l'instrumentation : registre, timbre, articulations... Dommage qu'il n'est pas jugé utile d'ajouter aux registres des instruments écrits, les registres sans transposition. Peu pratique donc d'utiliser l'annexe sur les registres comme aide-mémoire. Dans l'ensemble, un traité d'instrumentation sera plus pertinent et complet sur le sujet.

Les 100 pages suivantes entrent enfin dans le sujet initial du livre. Il se propose de reprendre les différentes sections de l'orchestre et de présenter comment les transposer dans le monde virtuel de la M.A.O. Il détaille par exemple comme réaliser un legato réaliste, écrire une mélodie aux bois jouable, écrire un glissando de harpe... En fil rouge, il utilise Nuendo pour illustrer des cas concrets. Au final, malgré quelques astuces ou suggestions intéressantes, Paul Gilreath n'aborde que superficiellement les problèmes. Comment réaliser les divisi par exemple ? Comment rendre un solo plus réaliste ? Les chapitres manquent d'exemples sur partitions et d'extraits sonores. Un CD aurait été bienvenu pour juger du résultat.

Après ce premier tiers de l'ouvrage, le plan suivi est quelque peu désordonné et manque clairement de réflexion. Un chapitre présente l'équipement du studio (claviers, cartes sons...) et les séquenceurs du marché (Cubase, Pro Tools...). Suite à cet intermède technique, l'auteur se reconcentre sur l'orchestration en abordant les changements de tempo au sein d'un morceau. Toutefois, la lecture du manuel de votre séquenceur sur la piste Tempo vous en apprendra tout autant que ce chapitre. L'ouvrage aborde ensuite l'environnement de l'orchestre, c'est-à-dire principalement le hall et sa réverbération. Ce chapitre est l'occasion de définir comment fonctionne une "réverb" sur ordinateur. Très peu d'informations pratiques sont données sur l'utilisation d'une réverbération au sein d'un morceau.

Paul Gilreath propose ensuite de passer en revue dans un chapitre, les principaux plug-ins du marché : égalisation, compression, réverbération, délai... A ceci succède une description des samplers utilisés pour construire les banques de sons : Gigastudio, Kontakt... Intéressant pour décider de l'acquisition d'un nouveau produit mais cette vitrine de plug-ins n'est pas forcément pertinente dans un ouvrage sur l'orchestration.

Le plan de l'ouvrage suit sa logique en abordant désormais les chœurs. Suite à quelques notions générales sur l'écriture à plusieurs voix, il décrit quelques banques de sons sur le marché (Symphony Of Voices, Voices Of The Apocalypse...). Le mixage d'un morceau orchestral constitue le chapitre suivant. Il s'agit d'un sujet très complexe et indispensable. Malheureusement les 22 pages sont un peu maigres là-dessus. Il donne quelques vérités générales : panoramique pour respecter la position des instruments dans l'orchestre, égalisation pour ajuster un timbre... Quelques généralités qui auraient pu être plus étayées.

Une centaine de pages du livre sont consacrées à des interviews réalisées par Paul Gilreath avec Eric Persing (Spectrasonics), Gary Garritan (Garritan Personal Orchestra), Herb TucMandl (Vienna Symphonic Library), Doug Rogers (East West), Jeremy Soule (compositeur), Bob Ludwing (ingénieur du son), Bob Katz (ingénieur du son)... Certains points abordés sont intéressants (développement d'une librairie, mixage d'un morceau...) mais le tout reste trop superficiel.

Les 150 dernières pages du livre passent en revue les différentes librairies orchestrales en décrivant de manière détaillée les points forts et faibles de chacune.

Au final, The Guide To Midi Orchestration est pour moi un livre qui ne tient pas ses promesses. Bien que le livre soit conséquent (plus de 700 pages), imprimé d'une qualité exemplaire et illustré de photos en couleur, le fond du sujet, à savoir l'orchestration sur ordinateur, n'est pas abordé de manière assez complète. Tout d'abord le plan suivi est chaotique, la théorie musicale est coupée par des descriptions techniques qui précèdent des interviews avant de décrire des librairies. Second point, j'ai le sentiment que Paul Gilreath a beaucoup comblé lorsqu'il a rédigé : vérités générales, chapitres anecdotiques... Ce qui fait défaut à ce livre, c'est le manque de méthodologies proposées, d'exemples très précis... Sur l'ensemble, seulement 25% du livre est réellement consacré à l'orchestration virtuelle. Dommage ! Pour plus de 80€ outre-Atlantique, la Bible de l'orchestration n'aura pas vraiment convaincu un nouvel adepte.

Concernant l'instrumentation et l'orchestration, l'ouvrage de Samuel Adler est un livre de référence. Il s'agit d'un des meilleurs, voire le meilleur des ouvrages sur le sujet, ceci pour plusieurs raisons. Le livre est extrêmement riche, clair, bien construit et très documenté. La quantité de connaissances accumulée au sein d'un même livre est conséquente. Un ensemble de CDs comprenant les extraits musicaux et un livre de travail étend encore grandement les limites du livre. Détaillons à présent chacun des points ci-dessus.

The Study Of Orchestration est composé de deux grandes sections : Instrumentation (~500 pages) et Orchestration (~300 pages). Les considérations sur l'instrumentation abordent successivement la famille des cordes, des vents, des cuivres et des percussions. Chaque partie est construite sur le même plan : description de la famille dans sa globalité (rôle ? articulations ? spécificités ?), description des instruments individuellement et ensuite composition pour cette famille (mélodie, harmonie...). Cette section est extrêmement riche d'informations et très accessible.

La seconde partie de l'ouvrage aborde l'orchestration, c'est-à-dire l'art d'écrire pour l'orchestre considéré comment un intrument dans sa globalité. L'auteur explique comment réaliser des tutti, répartir un accord dans l'orchestre ou réaliser des effets (crescendo, sforzando...). Il détaille notamment comment l'orchestre permet de varier les couleurs, de mettre en avant une mélodie ou accompagner un soliste...

L'ouvrage, seul, est une mine d'informations. L'auteur est concis, précis et accessible, il n'y a pas de superflu. Chaque explication est illustrée par un extrait de partition pertinent permettant de comprendre le point étudié. Samuel Adler ne s'est pas arrêté là puisqu'il propose en plus un ensemble de 6CDs permettant d'écouter les extraits de partitions. A ceci s'ajoute un livre de travail (Workbook) pour valider ses acquis et s'entraîner.

Concernant l'ensemble des 6 CDs disponible séparemment, il contient environ 500 extraits et 100 vidéos. Les extraits audios présentent aussi bien des extraits de partitions que des articulations d'instruments. Les vidéos, elles, complètent de manière visuelle le chapitre sur l'instrumentation : quels doigtés ? quelles contraintes spécifiques pour chaque instrument ? L'optique de l'auteur est clairement exprimée dans la préface : être capable d'entendre séparément les instruments pour ensuite aborder des combinaisons de timbres jusqu'à l'orchestre complet. C'est là le grand intérêt des CDs couplés à l'ouvrage, d'autant plus que les extraits sont très nombreux est très pertinents.

Un bémol toutefois concernant l'utilisation de ce pack de CDs. Les extraits sont disponibles au format CD audio et peuvent donc être écoutés sur ordinateur ou chaîne hifi. Les vidéos sont au format Quicktime et ne sont utilisables que sur ordinateur. Une application Flash permet de naviguer entre les vidéos et les information complémentaires (compositeurs, rangs des instruments...). Cependant, comme il existe 6 CDs, on n'est très vite amené à changer constamment de CD. Ceci peut donc être dérangeant à la longue. Un conseil : extraire l'ensemble des pistes des 6 CDs sur votre ordinateur avec votre logiciel favori (Windows Media Player...).

Le Workbook disponible séparément est un livret de 200 pages environ proposant divers types d'exercices sur le sujet : questions pour tester ses connaissances sur les intruments et les familles, transposition d'instruments, transcriptions de piano à orchestre ou vers d'autres formations, écoute d'un extrait sur CD puis écriture de la partition... A noter que ce livre d'exercices ne contient pas de corrigés, il permet seulement de s'entraîner seul ou dans un autre cadre d'apprentissage.

En conclusion, The Study Of Orchestration est un ouvrage indipensable pour tous ceux qui souhaitent découvrir ou approfondir l'instrumentation et l'orchestration. Le structure du livre est cohérente, les explications sont claires, les choix d'oeuvres sont pertinents. L'auteur a effectué un énorme travail. Le pack de CDs est indispensable, le livre de travail l'est moins. Le coût des éléments séparés n'est pas négligeable : livre (40€), CDs (80€), Workbook (15€)... mais l'investissement en vaut clairement la chandelle.

Extraits du livre :



Les 6 CDs en accompagnement :



Extrait audio de l'exemple 11-10 ci-dessus :



Le livre de travail (Workbook) :

Ce livre est un condensé régulièrement mis à jour sur tous les concepts de base en solfège. Il débute sur les notions indispensables permettant de déchiffrer une partition (notes, rythme, expression...) puis enchaîne sur la définition des gammes, des intervalles, des accords... Son point fort, c'est d'être plutôt exhaustif et précis. Il permet de retrouver très facilement la définition d'un terme, la signification d'un symbole. D'autre part, il est très souvent illustré de tableaux récapitulatifs très utiles comme aide-mémoire (liste des accords, des intervalles, cycle des quintes...). Il propose de nombreuses méthodes à appliquer pour déterminer la tonalité d'un morceau, transposer un instrument...

La contrepartie de cette écriture condensée est son absence de pédagogie. Il ne s'agit clairement pas d'un ouvrage pour débutant souhaitant s'initier au solfège. L'ouvrage ne s'attarde pas sur les concepts et les exemples pour les faire comprendre. Il s'agit plutôt de remettre en mémoire certaines notions.

Ce livre est désormais un ouvrage de référence dans l'apprentissage du solfège. Il est très régulièrement réédité et complété pour se mettre au goût du jour (avec les notations contemporaines par exemple). Bien que certains thèmes auraient pu être plus détaillés (modulation par exemple), c'est un ouvrage qu'on garde volontiers sous la main et dans lequel on se réfère souvent.